Tamasha (2015)

de Imtiaz Ali avec Deepika Padukone et Ranbir Kapoor.

Enfant, Ved adorait écouter les épopées du vieux conteur du village, au désespoir de son père qui aurait préféré qu'il travaille ses maths. Adulte, en vacances en Corse, il passe une semaine de folie avec Tara, jeune indienne rencontrée sur place. Le principe : personne ne donne son vrai nom, Ved et Tara jouent des rôles pour la semaine. 
Fin de l'amourette de vacances. Plusieurs années plus tard, Tara rompt leur pacte en cherchant à retrouver Ved, dans la vrai vie "product manager" dans une grande boîte. Le couple se reforme. Mais quel est le vrai Ved ? Le jeune cadre citadin à la vie morne, ou le jeune homme qui adore (se) raconter des histoires ? Et laquelle de ces deux vies n'est qu'un spectacle (Tamasha) ?

Le film est encadré par une pièce de théâtre racontant le parcours de Ved, déguisé en robot façon Cyberman et accompagné d'un clown assez crispant.

Si le clown tombe à l'eau, il y a pourtant beaucoup de passages comiques, notamment les présentations que Ved fait dans son entreprise, dans un charabia de jargon incohérent et très drôle.
La séquence pré-générique, dans laquelle le vieux conteur mélange allégrement Ram, Moïse et Ulysse, pour le plus grand bonheur des amateur de mythologie, est également amusante, mais un poil longue. N'empêche, imaginer Ram rentrant de Lanka confronté à un Poséidon furieux, c'est assez stimulant pour l'imagination.

C'est un des défaut du film que de ne pas avoir raccourci certaines séquences. La vie monotone de Ved et Tara est ainsi montrée par de trop nombreuses scènes presque identiques. Or il suffit des deux ou trois première répétitions pour que s'installe rapidement un malaise, un sentiment que quelque chose ne va pas.

Autre gros problème, la crise existentielle de Ved dans la deuxième partie et le pétage de plombs subséquent sont présentés n'importe comment : personne, jamais, n'agit comme ça. Il aurait fallu un peu plus de subtilité et de psychologie. C'est vraiment dommage, car je n'avait jamais vu Ranbir montrer une telle palette d'émotions, parvenant à rendre son personnage émouvant malgré les failles du scénario. Deepika est également parfaite, mais son rôle est plus secondaire. Et puis Deepika est toujours parfaite. Les deux star ont une alchimie parfaite, et l'on s'attache rapidement à leur couple. Couple hors mariage d'ailleurs pendant plusieurs années. Décidément, Bollywood change. On entend même Deepika (dans une séquence assez drôle) parler tranquillement de levrette, pipe et branlette.

  
Bref un film sur le pouvoir de l'imagination et l'importance des histoires qui laisse un sentiment d'inachevé, malgré deux beaux acteurs. Et Astérix en Corse. Si, si.

Kalank (2019)

Quelques mots sur Kalank d'Abhishek Varman, et surtout beaucoup d'images, car j'ai eu envie de me faire plaisir !

Husnabad (la "Cité de la beauté"), périphérie de Lahore, actuel Pakistan, à l'époque colonie anglaise des Indes (mais plus pour longtemps). Satya (Sonakshi Sinha), épouse de Dev, n'a plus qu'un an à vivre et cherche une nouvelle épouse pour son mari. Elle demande à Roop (Alia Bhatt), qui lui doit une faveur, de venir vivre un an chez eux pour rencontrer son mari. Roop accepte, à condition d'épouser immédiatement Dev (qui se retrouve donc bigame). Dev n'a aucun sentiment pour Roop et la prévient que le mariage restera platonique, ce qui convient très bien à Roop. En réalisant un reportage dans le quartier malfamé (et musulman) de la ville, elle rencontre le forgeron Zafar, qui la séduit bien vite (faut dire qu'il est toujours torse nu — mais quand même, elle n'a aucun goût, Aditya Roy Kapur qui joue son mari est beaucoup plus charmant que Varun Dhawan). Or Zafar a une dent contre le père de Dev, est sa cour assidue est en fait un plan diabolique pour détruite sa famille....

Dans l'ordre, Satya, Dev, Roop et Zafar (torse nu)

Une fois les personnages et l'intrigue posés, passons à la critique proprement parler. Ce qui saute aux yeux c'est que tout est magnifique,l'image, les costumes et décors, et tout est soigné dans les moindres détails (les broderies florales sur le sari de Roop...). Les dialogues évitent de trop mentionner la ville de Lahore, mais c'est bien une sorte de Lahore rêvée que nous voyons. Rien n'est  très réaliste (surtout les extérieurs) mais tout est un régal pour les yeux.

 Quelques décors, composites et fourre-tout, mais étonnamment plaisants à regarder

Un aperçu des costumes

La musique est correcte, et les chorégraphies plutôt belles (et Madhuri, jouant une ancienne courtisane devenue professeur de chant, est toujours aussi gracieuse à 53 ans). Par ailleurs, le couple de "vétérans" (Madhuri Dixit et Sanjay Dutt) ont tout deux beaucoup d’allure.

Bref, j'ai passé 2h45 à faire des captures d'écran.

Et ce n'est peut-être pas plus mal car les personnages manquent clairement de profondeur. Dur du coup de dire si les acteurs jouent bien, car il n'y a pas grand chose à jouer. On ne voit pas les personnages évoluer : un tel dit être tombé amoureux d'une telle, mais on ne nous l'a pas montré, et on ne le voit pas. Leurs changements de positions paraissent donc aussi assez arbitraires.

Il y a un dernier point assez délicat. Difficile dans un film qui parle des prémisses de la Partition, de ne pas regarder comment sont représenté les communautés hindoue et musulmane. Les musulmans d'abord. Il ne sont que trois à sortir de la foule : une courtisane (qui bénéficie d'un portrait plus nuancé que les autres), Abdul, l'ami de Zafar, violent et qui hait les hindous. Zafar, lui, est présenté comme un séducteur sans scrupules, utilisant son sex appeal pour arriver à ses fins. On est pas loin des théories du "love jihad" (idée selon laquelle des musulmans séduiraient de jeunes hindoues pour les convertir). C'est un bloc de haine et d'animalité (on le voit d'ailleurs combattre — torse nu — un taureau en images de synthèse pas très convaincant). Il attise la haine communautaire pour servir ses intérêts personnels. Les hindous sont des intellectuels (Dev a un journal dans lequel Roop écrit), qui passent leur temps à se sacrifier pour les autres. Seul le père de Dev (Sanjay Dutt) et le personnage de Madhuri sont un peu nuancés.

 

Arrivée triomphale du dieu Ram dans les rues de Lahore 

Surtout, on a l’impression de voir une Lahore fantasmée par des nationalistes hindoues. Les hindous sont les patrons, vivent dans des maisons gigantesques, tandis que les musulmans, prostituée ou artisans, vivent dans les bas quartiers. Il suffit de comparer les chansons qui mettent en scène les fêtes de Dussehra (hindoue) et de l'Aïd (musulmane), pour voir le problème. La séquence de Dussehra nous montre le dieux Ram incarné par un acteur, triomphant du démon Ravana, arrivant victorieux et suivi de son impressionnante armée de singes dans les rues de Lahore.

A l'inverse , la chorégraphie de l'Aïd, pour joyeuse qu'elle soit, évoque davantage un item number, avec danseuse séduisante et peu vêtue, qu'une fête religieuse. Je comprend que l'hindouisme, étant une religion d'images, soit plus facile à mettre en scène que l'islam. C'est néanmoins assez gênant. 

Les prises de position sur  la Partition semblent à peu près représentatives : la Ligue Musulmane y est favorable, les hindous, d'abord opposer, finissent par se rallier à cette idée. Évidemment, la violence est montrée comme unilatérale. Si à Lahore il est probable que la plupart des victimes de la Partition aient été hindoues, l'inverse est vrai dans de nombreux autres cas. Quelques mots à la fin sur la Partition qui "a brisé des vies" sont un peu justes pour rétablir un semblant d'équilibre.

Je doute que le film ait connu un grand succès au Pakistan.

Terminons sur les sages paroles de Madhuri :

Mere Brother Ki Dulhan (2011)

Luv (Ali Zafar) vient de rompre avec sa petite amie londonienne après cinq ans de vie commune. Il décide qu'il est temps de se poser et charge son frère Kush (Imran Khan) de lui trouver une épouse indienne qui lui plaise ,"ayant un cœur indien et des battements de cœur londoniens" (comme le dit une chanson), car "tout ce que tu aimes, je l'aime aussi". On devine la suite...

Outre le dilemme de Kush entre son amour fraternel (les deux frères s'appellent comme les jumeaux de Ram et Sita, c'est dire s'ils sont proches) et ses sentiments pour Dimple (Katrina Kaif), la grande question du film est l'identité indienne, principalement (si ce n'est uniquement) pour les femmes.

La petite amie du début, une femme d'origine indienne née à Londres, change radicalement de façon d'être pour être conforme au modèle de femme indienne que Luv serait supposé aimer (elle s'habille plus long, apprend à cuisiner les plats traditionnels...). Echec. Luv lui dit qu'il la préférait avant, et en même temps la traite de "noix de coco" (brun dehors, blanc à l'intérieur...)

Dimple, elle, est une Indienne née à Londres mais vivant désormais en Inde, issue de la grande bourgeoisie, que ses parents ont élevée dans une totale liberté en générale réservée aux garçons. Résultat, elle cultive un look de rockeuse, boit, fume et se montre amicale avec les garçons (tout en ne franchissant jamais "la limite"). Problème : les Indiens pensent que tout est permis avec une fille si moderne.

S'ensuit un dialogue sur les différences de mentalités en Inde et au Royaume-Unis. Kush met en garde Dimple, tout en lui enjoignant de ne pas changer sa façon d'être, car  

"tu es si pure que tu ne vois pas le mal autour de toi"

Bref, vivre libre, OK, mais surtout rester pure et chaste. Cinq plus tard, lorsque Luv la rencontre dans le cadre de sa recherche d'une épouse pour son frère, elle s'est un peu assagi, et accepte un mariage arrangée. Elle semble avoir trouver le fragile équilibre qui convient à une femme indienne moderne :

  " Je suis belle comme il faut et sexy d'une manière convenable"

Mais au fond d'elle, elle est toujours bien décidé avec ce qu'elle veut. Epouser Luv s'il lui plaît... ou Kush si elle le préfère. D'où une série de péripéties plutôt vivement menée, car ce n'est pas facile de mener sa vie sentimentale comme on l'entend en Inde.

On ne s'ennuie pas une seconde dans ce film aux multiples rebondissements, agrémenté d'une musique plutôt plaisante (dont une chanson interprétée par Ali Zafar lui-même, chanteur avant d'être acteur). Ali Zafar n'a qu'un rôle assez secondaire, ce sont Imran Khan et Katrina Kaif les vrais héros de l'histoire

La photographie est un autre point fort du film, vraiment beau à regarder. Ici le Taj Mahal, mais aussi beaucoup de jolis plans de Delhi.

Bref, un film dont le scénario ne bouleverse rien mais qui pose des questions sensibles sans apporter de réponses trop tranchée, et souligne plutôt la difficulté d'être une femme entre deux cultures.

Don't be.

Gunday (2014)

"Deux Coqs vivaient en paix : une Poule survint, 

Et voilà la guerre allumée." 

(je devrais commencer tous mes articles par une fable de La Fontaine)

Je cherchais un film sans prise de tête, et l'affiche très rétro de celui-ci m'a convaincue d'y jeter un œil.

Le scénario pourrait effectivement être celui d'un massala des années 1970, à ce détail près que l'histoire se passe dans les années 1980. Bikram et Bala (Ranveer Singh et Arjun Kapoor), deux orphelins proches comme des frères règnent sans partage sur les activités illégales de Calcutta, tout en utilisant leurs ressources pour venir en aide aux plus démunis. Arrive Nandita (Priyanka Chopra), danseuse de bar, et Satyajit (Irrfan Khan), officier de police chargé de faire tomber Bala et Bikra. La première partie décrit la montée en puissance des deux gunday (hors-la-loi) et leur rencontre avec Nandita, dont ils tombent tous les deux amoureux fous. La seconde raconte, avec quelques twists et rebondissements, comment cet amour va déchirer leur amitié.


Le film se donne un vernis social : Bikram et Bala sont des orphelins réfugiés de la guerre du Bengladesh, ils sont présentés comme venant en aide aux pauvres là où l'Etat ne le fait pas, et leur délinquance comme le fruit du "système" qui les as condamnés à une vie hors la loi. Mais cet aspect n'est vraiment approfondi que dans la première partie  et semble maladroitement plaqué sur le scénario de la seconde.

La scène du cinéma, la seule qui trahisse un peu de recherche formelle

Gunday se révèle assez médiocre. Ranveer Singh et Arjun Kapoor font un concours de qui surjoue le plus, et même Priyanka paraît une grande actrice à leurs côtés, c'est dire. Il y a les bastons attendues,  elles ne sont pas particulièrement bien filmées (un pauvre pigeon qui s'envole ne suffit pas à faire du John Woo), mais permettent au moins de voir Arjun et Ranveer tomber la chemise. Pire, les chansons et leur mise en images sont mauvaises et donne envie d'appuyer sur la touche avance rapide. Seule Tune Maari Entriyaan sort du lot.

Bref, je ne recommande pas Gunday.

Tumbbad (2018)

L'avarice perd tout en voulant tout gagner. 

Je ne veux, pour le témoigner,

Que celui dont la Poule, à ce que dit la Fable, 

Pondait tous les jours un œuf d'or.

 Il crut que dans son corps elle avait un trésor. 

Il la tua, l'ouvrit, et la trouva semblable 

A celles dont les œufs ne lui rapportaient rien,

 S'étant lui-même ôté le plus beau de son bien. 

[...]

Jean de la Fontaine 

L'intrigue ne colle pas tout à fait à la fable, mais elle en a l'esprit. Plus qu'une poule, elle implique un dieu déchu et oublié, enfermé dans l'utérus de la Déesse Mère après lui avoir dérobé son or. Une famille brahmane atypique (la maîtresse d'un baron local qui semble être une veuve aux cheveux rasés mais est toujours vêtue de rouge contrairement à l'usage, et leur deux enfants) a la garde d'une créature qui a peut-être été un jour humaine et qui sait comment lui soutirer des pièces d'or.

 

séance de pédicure 

C'est un film humide (il y pleut tout le temps) et féminin. La nature, sur cette terre-mère, est envahissante (on y voit un arbre pousser à travers quelqu'un - une des images les plus originales que j'aie vues depuis longtemps). On y voit littéralement, au fond d'un puits creusé au fond d'un autre puits, l'intérieur de la matrice de la Déesse originelle, mère des dieux et, comme dans les grottes sacrées qui lui sont dédiées en Inde, assimilable à la Terre.

Cette vue d'un intérieur féminin, organique, rouge sang, est le gros point fort du film, et rappelle Faux-Semblants de Cronenberg (une histoire de gynéco tordu, si vous ne l'avez pas vu, foncez !)

Mais les femmes ne sont pas réduites à leur utérus. Le récit se situe dans la première moitié du XXe siècle, et l'épouse du héros est bien plus active que lui dans la lutte pour l'indépendance, et n'hésite pas à mettre une claque à son fils quand il lui dit de s'occuper des tâches ménagères.

L'histoire de l'indépendance se lit en filigrane. On envisage de remplacer l'argent anglais d'une fumerie d'opium par celui de ce trésor bien indien, dans l'esprit de l'autosuffisance économique prônée par Gandhi. A l'indépendance, le village (et donc le trésor en-dessous) devient propriété de l’État.  

Si le film compte plusieurs monstres (très crédibles), ce n'est pas vraiment un film d'horreur au sens classique. Pas de jump scare ici. C'est l'atmosphère qui est étouffante, et le pressentiment que tout cela ne peut pas bien tourner. Les trois hommes du film sont en effet présentés comme excessivement cupides, et le scénario tient du conte moral.

Un monstre qui fait très Guillermo Del Toro 

Plus que l'écriture du film, dont la fin laisse un sentiment d'inachevé et qui aurait pu donner plus d'épaisseur aux personnages, c'est la mise en scène et les superbes images en clair-obscur, qui font l'originalité de ce film, et frappent durablement l'imagination. La musique, en outre, est envoutante.

Tumbbad devait initialement sortir en 2012, mais n'étant pas satisfaits du résultat, ses réalisateurs l'ont retravaillé pour finalement le sortir en 2018. On sent ce soin du travail bien fait à chaque instant du film.

Film hindi, 1h40, réalisé par Rahi Anil Barve et Anand Gandhi. Disponible sur Prime video avec sous-titres anglais.

Padmaavat (2018) - S. L. Bhansali

Après le rouge-passion de Devdas et le bleu-nuit de Saawariya, voici Patmaavat et ses tons bruns-facho.

L'histoire (dont on nous dit bien qu'elle est fictive) en deux mots  : le sultan de Delhi Alauddin (Ranveer Singh) entend dire que l'épouse du roi rajput Ratan Singh (Shahid Kapor), Padmaavati, (Deepika Padukone) est la plus belle femme du monde. La posséder devient une obsession et il part en guerre contre Ratan Singh.

 

Listons les qualités et les défauts de Padmaavat. 

Les plus : j'ai appris qu'autruche se disait shutur-murgh, c'est à dire "oiseau-dromadaire". On ne voit pas assez d'autruches dans les films Bollywood

Les moins : 

1) c'est anti-musulman au possible. C'est apparemment adapté d'une épopée et j'ignore si elle a la même tonalité, mais si c'est le cas, on peut se demander l'intérêt de l'adapter au cinéma en pleine période de crispation identitaire. Dès le tout début de l'histoire on voit Alauddin (qui ne quitte pas un look dothraki assez moche de tout le film) tromper sa femme le jour de leur mariage et tuer son ami d'enfance pour dissimuler ses actes. Le musulman, on l'aura compris et on va nous le répéter tout au long du film, est fourbe, ingrat, traitre, bestial (on le voit dans une scène de repas sniffer son plat comme un chien) et lubrique. L'ironie de l'histoire, c'est que ce sont aux départ les Rajputs qui ont manifesté contre ce film accusé de salir leur honneur, sur la fausse rumeur d'une histoire d'amour  entre Padmaavati et Alauddin

Les musulmans en Inde, façon Bhansali

2) qui dit lubrique, dit sexualité hors norme. Et croyez-moi ce n'est pas pour valoriser la diversité des orientations sexuelles. Cette infâme brute est donc présentée comme ayant possiblement un amant en la personne de son serviteur Malik Kafur, dont la rumeur dit qu'il serait "uski begum", "sa femme". Ce dernier est interprété par Jim Sarbh qui a l'air au choix de jouer dans un autre film ou d'avoir fumé toute l'herbe de l'Inde.

Jim Sarbh

3. Face aux musulmans, Ratan Singh est présenté comme le Rajput parfait, et les Rajputs comme des hommes d'honneur, de courage et de principes. Ces fameux "usool" (principes) nous sont largement rabâchés.*

 Le soleil rajput

Une scène assez révélatrice : lors de la préparation au combat des deux leaders, on voit Padmaavati enrouler avec soin le turban de son époux, symbole des traditions rajputs. Alauddin, lui, se pose sans façon sa couronne sur la tête. Et les hommes rajputs sont si valeureux qu'ils continuent à combattre la tête coupée.

Bref c'est pas subtil, et ça devient très problématique quand ces principes s'appliquent aux femmes

4. Le film promeut des valeurs patriarcales. Sans parler du fait que les deux camps respectent la pardah (interdiction pour une femme de montrer son visage), et que Deepika est essentiellement présentée comme objet de convoitise plus que comme individu, il y a le gros problème du "jauhar" (l'immolation collective des femmes assiégées pour sauver l'honneur des Rajputs dans la défaite). Car le jauhar est ici totalement glorifié (quoiqu'en dise Deepika, dont on se demande bien se qu'elle est venue faire là-dedans). Avant le départ de son époux à la guerre, Padmaavati lui demande l'autorisation de le pratiquer en cas de défaite, avec toutes les femmes du fort. Elle justifie sa décision en arguant que les femmes rajputs aussi sont des guerrières, et que se jeter dans le feu est leur arme. Le mari accepte sans une hésitation.
Les préparatifs sont longuement et complaisamment filmés, et quasiment chorégraphiés, sur une musique solennelle. Pire, c'est la seule séquence visuellement belle et colorée d'un film globalement terne. Et un petit texte nous dit à la fin que "le jauhar de Padmaavati fut la pire défaite d'Alauddin". Youpi, jetez-vous toutes dans le feu Mesdames.

5. C'est moche. L'autruche en image de synthèse pique les yeux, les couleurs sont maronnasses, la musique très moyenne et même les chorégraphies, le point fort des films de Bhansali, sont faiblardes.

Bref, c'est laid,  réac et misogyne, anti-musulman à mort, et homophobe en prime. Sauvez trois heures, ne regardez pas Padmaavat

*note linguistique : bizarrement, contrairement à la coutume qui veut que dans les films historiques les musulmans parlent urdu et les hindous  un hindi très pur, ici tout le monde sauf le brahmane emploie des mots persans et arabes.

PK (2014)

A l'heure ou Delhi s'embrase sous les acclamation d'extrémistes hindous enragés, j'ai décidé de voir un film datant de temps plus paisibles, PK, réalisé par Rajkumar Hirani.

En termes de cinéma, ce n'est pas mauvais, mais pas très bon non plus. Aamir Khan a une seule expression et la démonstration est assez lourde. Mais ça fait du bien quand même, et la musique est vraiment sympa.


PK (peeke : ivre), c'est le nom donné à un naïf extraterrestre (Aamir) tout juste et tout nu arrivé sur Terre, qui ne comprends rien aux manières des humains. On lui a volé la télécommande de son vaisseau, le privant de tout espoir de retour. Pour la récupérer, tous lui conseillent de se tourner vers Dieu. Problème : celui-ci semble avoir disparu.

"DISPARU"

PK part donc en quête de Dieu. Il va apprendre en chemin que les humains ont la capacité de mentir et ne s'en privent pas, et que la religion est un commerce très rentable. Pour démontrer cela, PK n'a qu'à dresser une pierre au bord de la route, la teinter de rouge avec du paan, et voici un micro-sanctuaire, devant lequel les étudiants angoissés par leurs examens viennent déposer de l'argent.

Si toutes les religions sont mentionnées, c'est clairement l'hindouisme, ses gurus charismatiques (et richissimes) et ses rituels qui sont le plus visés. Le raisonnement est simple : si nous sommes tous les fils de Dieu, pourquoi ne nous aide-t-il pas immédiatement, au lieu de demander par un prêtre que l'on fasse des pèlerinages ou des offrandes (qui d'ailleurs, au désespoir de PK, ne sont pas très efficaces).

Conclusion de PK : "il y a deux Dieux : un, qui nous a créés : dont nous ne savons rien ; et l'autre que les prêtres ont créé, et qui est faux". Un film indien sans Dieu est inimaginable. Mais par cette dénonciation de l'imposture des religions, Rajkummar Hirani va quand même très loin. On n'en est plus au message apaisant "Dieu est un, seules les manières de le prier varient selon les religions", mais à la dénonciation de celles-ci comme des arnaques.

Évidemment, le film a déclenché des émeutes à sa sortie. Il faut dire que s'il ne mâche pas ses mots, les images sont elles aussi osées. Ainsi voit-on un acteur déguisé en Shiva pour une pièce religieuse aller aux toilettes, puis prendre la fuite devant PK. 

Il fallait bien un extraterrestre, n'appartenant à aucune caste ni religion (et donc pathétiquement seul), pour porter cette dénonciation.

Ah oui, évidemment il y a une histoire d'amour. Elle est assez secondaire et artificiellement intégrée au récit mais on verse quand même une petite larme à la fin.

Kothanodi (Bhaskar Hazarika, 2015)

Un bébé qui pleure enterré vivant. Une pomme d’éléphant qui suit à la trace une jeune femme. Une enfant abandonnée aux mains d’une marâtre. Un python capturé par des villageois.
La forêt, le village, le fleuve, et de nouveau la forêt.

Ces images qui promettent mystères et histoires merveilleuses ouvrent le premier long métrage de Bhaskar Hazarika, réalisateur pourtant formé à l’école du documentaire et en pose le cadre : un Assam rural, baigné par le Brahmapoutre, et comme hors du temps. Le réalisateur assamais tisse quatre contes traditionnels de son État, liés par une même thématique : la maternité. Marâtre ou mère jalouse et cupide prête à risquer sa fille par appât du gain, mère privée de ses enfants assassiné, ou mère… d’une pomme d’éléphant, « énigme errante qui roule »,  sont les personnages de Kothanodi. On circule d’un conte à l’autre guidé par ce thème commun, mais aussi par des images qui se répètent : cours d’eau, graines et fruits, ces reprises assurent l’unité du film.

Le recueil dont il s’inspire, Les Contes de Grand-Mère, de Sahityarathi Lakshminath Bezbaroa, était il y a encore peu une lecture incontournable des jeunes Assamais. C’est pour éviter que cette partie de leur culture ne disparaisse que Bhaskar Hazarika a décidé de faire un film entremêlant quatre de ces contes (dont certains avaient déjà été par le passé adaptés, individuellement, au cinéma).
Cette revendication d’une culture assamaise est aussi visible dans le choix d’un cadre villageois, baigné par la rivière qui permet de passer d’une histoire à l’autre aux grés des voyages. Le réalisateur a souhaité prendre le contre pied du cinéma populaire assamais qui cherche à copier Bollywood sans en avoir les moyens en ancrant son film dans un Assam traditionnel : dès l’ouverture — un traveling avant sur le fleuve rythmé par une musique assamaise entêtante —, pas de doute, on est bien dans le Nord-Est de l’Inde.
Et la tonalité du film n’a pas grand-chose à voir avec le reste du cinéma indien, toutes régions confondues. Bhaskar Hazarika fait le choix d’un réalisme magique dont on a peine à trouver l’équivalent ailleurs en Inde. Et d’ailleurs, la référence qui m’est venue à l’esprit n’est pas un film indien mais  japonais, Kwaïdan, de Masaki Kobayashi (bien que le budget de Kothanodi soit de tout évidence bien inférieur). D’ailleurs, le réalisateur avoue avec humour avoir cherché à donner une atmosphère est-asiatique à son film en filmant le plus de bambou possible !  Une façon comme une autre de se séparer du centre de l’Inde, avec lequel les Etat du Nord-Est, dont l’Assam, entretiennent des relations conflictuelles.

Dans ces contes, la magie n’est pas moins réelle que les vices humains avec lesquels elle entretient des liens ambivalents : parfois simple tour de passe-passe, elle est aussi destructrice de monstres, fondement de superstitions assassines, ou prétexte pour rejeter une femme, l’isoler du village…Le film semble être un champ de bataille ou la réalité cruelle ferraille avec l’onirisme, l’un et l’autre l’emportant à tour de rôle, selon les contes. Les inhumations de bébés vivants, qui rythment la première partie du film, puis leur sortie de terre, baignent le film dans une noirceur profonde.

D’autant que la violence de la superstition et de la haine, elle est bien réelle. Parfois, elle est hors-champ, et d’autant plus glaçante pour cela. Parfois, elle s’expose dans de longues scènes, sans pitié pour les sentiments du spectateur, que Bhaskar Hazarika souhaite, selon ses mots, « attraper par les couilles » pour le forcer à réfléchir loin des happy ends artificiels qu’il reproche à Bollywood . Le film est situé dans le passé (l’équipe du film a d’ailleurs eu le plus grand mal à trouver des paysages sans trace de modernité), mais les fléaux dépeints, les violences contre les femmes et les enfants, les superstitions, sont toujours d’actualité en Assam.

Bhaskar Hazarika admet volontiers son peu de foi en l’humanité, ainsi qu’un goût prononcé pour le macabre. L’histoire de Tejimola, assez connue pour avoir déjà été adaptée en un long-métrage est à ce titre remarquable : elle ne comprend pas d’éléments magiques. Pourtant, le conte, dans la version que j’ai pu lire, est peuplée de végétaux qui parlent et viennent en aide à la jeune héroïne, assurant au récit une fin heureuse. En en expurgeant l’histoire, le réalisateur abandonne la malheureuse Tejimola à son triste sort. Bref, pas de conte édulcoré façon Disney dans Kothanodi. L’histoire de Tejimoma, dure et crue, rappellerait plus le Satyajit Ray de Sadgati. Quant à l’histoire de la pomme d’éléphant, elle se déroulait originellement dans une famille princière. En faisant de la mère une simple villageoise ostracisée, B. Hazarika gagne en critique sociale ce qu’il perd en merveilleux.


Kothanodi est donc un film moins naïf qu’il n’y paraît, qui fait découvrir un une campagne assamaise fort peu bucolique malgré le cadre verdoyant. La noirceur du film, la violence, la critique sociale, le rapproche d’un courant réaliste que l’on est plus habitué à voir à Kollywood. Avec un petit plus : la magie. Est-ce cela, la touche assamaise ?

Dear Zindagi (Hindi, 2016) - Gauri Shinde

Toujours difficile de parler d'un film qui aborde un sujet bien représenté dans notre cinéma, mais tout nouveau en Inde ; de faire la part des choses entre l'impression de redite pour moi, spectatrice occidentale, et la révolution pour le public indien.

Dear Zindagi raconte l'histoire d'une jeune directrice photo, Kaira (Alia Bhatt, subtile et touchante), à la vie amoureuse peu satisfaisante. Elle va d'histoire en histoire sans vraiment être heureuse, mais quand elle apprend que son homme du moment est secrètement fiancé, rien ne va plus. Elle ne dort plus, et finit par consulter un "Brain Doctor", comme disent les personnages, en la personne de Jehangir Khan (Shahrukh).

Le sujet de la santé mental est très peu abordé dans le cinéma indien, si ce n'est sous la forme de thriller assez caricaturaux, avec méchant psychopathe ou personnages à double personnalité. Ce film est donc une vrai avancée. Bien que les passages difficile de la thérapie ne soit pas éludés, ce n'est pas un drame, et le fantasque Doctor Khan apporte ce qu'il faut d'humour.

Autre bonne nouvelle : à aucun moment la vie sexuelle de Kaira n'est jugée (ni celle d'ailleurs du personnage secondaire homosexuel). En fait, le message du film est très positif : il s'efforce de briser le tabou que constitue encore très fortement en Inde la consultation d'un psy, et en montre avec humour l'utilité de voir un spécialiste dans les moments où ça ne va pas bien. Et si les conseils du Dr Khan en lasseront sans doute certains, j'avoue qu'ils m'ont fait réfléchir.

J'ai apprécié d'ailleurs que la fin mette l'accent sur les progrès de Kaira et sur sa réussite professionnelle, tout en ouvrant la porte à une nouvelle aventure sentimentale (avec une guest star fort bienvenue).

Sur un plan plus formel, je ne peux m'empêcher de regretter l'américanisation du montage et du scénario, qui enlève une partie de son originalité au film. Ce n'est malheureusement pas un cas isolé.

Angry Indian Goddesses et La Saison des Femmes

Il y a eu pas mal de sorties ces derniers temps de films montrant à quel point la situation est compliquée pour les femmes en Inde. Si j'étais cynique, et sans nier la réalité de cette situation, je dirais que cela se vend bien en Europe, tant cela correspond à l'image que l'on peut avoir de l'Inde.

La Saison des Femmes (Parched) est  un franc succès. Situé dans un village de l'ouest de l'Inde, il montre le quotidien de femmes normales qui décident de ne plus se laisser malmener. L'épouse sans enfant, la veuve qui se démène seule, la jeune fille victime d'un mariage forcé, la danseuse érotique.. des types assez clichés qui vont devenir bien plus face à la violence des situations, et prendre leur destin en main.

Ce qui frappe dans Parched, c'est l'ancrage très local : Leena Yadav, la réalisatrice, a sillonné le Kutch pour récolter des informations : costumes, boucles d'oreilles et dialectes en portent la marque. 
Compte-coup :  elle décrit un régime matrimonial très minoritaire en Inde, dans lequel c'est le l'homme qui paye pour se marier : la famille de la femme ne donne pas de dot. Une des plus grandes oppressions qui pèsent aujourd'hui sur les femmes indiennes n'est donc pas abordée.

L'autre point marquant est la complexité de ces personnages de femmes qui évoluent au cours du film, à l'image de Rani, qui commence par reproduire pour sa belle-fille le mariage forcé dont elle a été victime, avant de se rebeller.

Un film violent, mais dont l'énergie cathartique fait du bien, porté par d'excellentes actrices (Tannishtha Chatterjee, Radhika Apte, Surveen Chawla et la toute jeune Lehar Khan).

Angry Indian Goddesses... c'est une autre paire de manches. Toujours bon de rappeler les violences subies par les femmes, et l'inaction de la police, mais on n'est pas obligé de le faire à travers un mauvais film. Un groupe d'amies se réunit dans la grande maison de bord de mer de l'une d'entre elle pour son mariage. Elles sont photographe, chanteuse, actrice, femme d'affaires, militante médiatique, femme d'un riche mari...bref, extrêmement représentatives d'une Inde de magasine, et jouées, hélas, par des actrices pas tout à fait au point. Heureusement pour la représentativité sociale, il y a la domestique, issue d'un milieu plus modeste. Son inclusion dans l'histoire est d'ailleurs assez maladroitement menée, et son propre drame ne semble pas avoir trop de rapport avec le sujet du film.

Lors d'une séquence pré-générique très réussie, on voit tout ce petit monde remettre à leur place des hommes qui les harcèlent. C'est dur, cela fait rire nerveusement, c'est cathartique.

Le reste n'est malheureusement pas du tout de ce niveau. Une bonne moitié du film se fonde sur les dialogues en huis-clos de ce petit groupe, qui expliquent longuement ce qui ne va pas dans leur vie (et il y en a des choses, la condition féminine n'a pas changé entre les deux films). Mais on se pose parfois des questions sur la qualité de tous ces dialogues : l'une des femmes explique quand même qui est la déesse dont elle a une peinture. Qui n'est autre que la déesse la plus connue d'Inde, Durga. Je veux bien qu'un des personnages ait grandi en Angleterre et puisse ne pas tout savoir, mais quand même... on sent le film fait pour un public de festivals en Occident. A l'inverse, La Saison des Femmes abordait naturellement des sujets qui font débat en Inde sans être forcément connus en Europe, comme le racisme dont sont victimes les femmes des États du Nord-Est. D'une manière générale le titre d'Angry Indian Goddesses ne tient pas toutes ses promesses, et la thématique religieuse annoncée est peu présente. C'est finalement dans la Saison des Femmes, lors de la fête de Dusshera, que le potentiel dramatique et cathartique de la religion est le mieux exploité.

La première partie est longuement explicative, et incroyablement naïve dans son approche des problèmes sociaux : la femme d'affaire annule le projet minier controversé de sa société... en guise de cadeau de mariage à son amie ! Et la marmotte...
Et quand survient l'évènement horrible qui met vraiment en colère le groupe d'amies... on plonge dans l'énorme et invraisemblable mélo, avec intervention des policiers et d'une fanfare en plein enterrement.

J'ajoute que c'est filmé avec les pieds ?

Bahubali (2015 - telugu)

 Et pour Baahubali : The Conclusion, c'est ici ! Et c'est encore plus épique.



Ceux qui fréquentaient ce blog au temps de sa très relative splendeur savent que son auteur nourrit une indéniable fascination pour un certain acteur télugu.
Peut-être savent-ils même que c'est en voyant cet acteur, sous une coiffure qui lui seyait pourtant autant qu'un toit-terrasse à un chalet savoyard, dans un film intitulé Munna, que ladite auteur s'est lancée dans un visionnage compulsif de films en télugu dont elle porte encore les marques. 

Ils ne seront donc pas étonnés de sa présence, dimanche, à la soirée de clôture de l'Etrange Festival, pour la première projection en France de Bahubali, dans une version spécialement remontée pour le marché international, mais apparemment assez proche de l'originale.

Mais qu'est-ce que Bahubali, à part un film avec Prabhas, et que faisait-il à l'Etrange Festival ? Bahubali, ou plus exactement Bahubali : The Beginning (car oui, il y aura une seconde partie, intitulée Bahubali : The Conclusion... et oui, il n'y a rien entre le commencement et la conclusion... les films indiens et le schéma narratif...) c'est un film de S. S. Rajamouli, tourné en télugu et en tamoul et doublé en hindi, et c'est un énorme succès en Inde.

L'Etrange Festival avait déjà programmé un autre film de Rajamouli, Eega, triangle amoureux impliquant une mouche. Il faut avouer que bien qu'incontestablement dépaysant, Bahubali est nettement moins étrange : une bonne vieille épopée en costumes, avec rivalité entre princes et batailles gigantesques. Pour vous donner une idée, un peu de Detective Lee, pas mal de Seigneur des Anneaux, le Mahabharata en arrière-plan, et beaucoup de Worms Armageddon. 

Mais bon, un film télugu à Paris, on ne va pas se plaindre.

Bahubali, c'est donc le héros éponyme, prince qui grandit dans l'ignorance de sa naissance royale mais n'en est pas moins irrémédiablement attiré vers les sommets. En l’occurrence, celui d'où coule une cascade (magnifique décor), qui, un jour, entraîne jusqu'à lui un masque féminin. Bahubali, qui ne pensait qu'à gravir la montagne, ne pense désormais plus qu'à trouver la Femme, Avanthika (Tamanna,  sublime, mi-guerrière mi-fée, ferait une Elfe parfaite), une combattante rebelle, et, l'ayant trouvée, ne pense désormais plus qu'à... bon. 

Je plaisante, but it escalated quickly. Really. Et cela aboutit à une scène très douteuse où notre héros montre qu'il est loin de maîtriser la notion de consentement (la scène a fait débat en Inde), et où le scénariste montre qu'une femme battante et indépendante n'existe que pour devenir, sous l'action du héros, une héroïne traditionnelle, séduisante et séduite, maquillée, bien habillée... et totalement éjectée de l'histoire.

Bahubali prend désormais fait et cause pour la rébellion contre le tyran Bhallaladeva (Rana), qui maintient prisonnière la princesse Devasena, dont on devine qu'elle doit avoir quelque lien de parenté avec notre héros. Quelques péripéties, un flashback et une bataille épique qui doit bien durer trente minutes plus tard, le film se termine sur un suspense insoutenable.

 Le méchant

Le film est un mélange de sublime, de grandiose et de grand n'importe quoi, à l'image de la première apparition de Tamanna : elle vole, entourée de papillons, et Prabhas rebondit sur les branches, dans un décor à couper le souffle. Mentionnons également des démonstrations de force toutes plus impressionnantes (et irréalistes) les unes que les autres (Bahubali veut dire "Aux bras forts"), une luge improvisée qui permet à nos héros d'échapper à une avalanche, et des séances de tatouages inattendues.

Les effets spéciaux sont inégaux, mais globalement les meilleurs que j'ai vus dans un film indien. La capitale du royaume est vraiment impressionnante. Les décors sont globalement magnifiques. D'ailleurs, esthétiquement le film est un vrai succès, et certains plans sont très beaux (le feu dans le palais...)

Le gentil

Autre point très positif : les femmes ne jouent pas les plantes vertes. L'héroïne se bat, la villageoise qui recueille le héros ne se laisse pas marcher sur les pieds, et la régente en impose : entendre une femme dire "Telle est ma parole, et ma parole est loi", ce n'est pas si fréquent.

 La rebelle

Globalement, on a ce que l'on attend de ce genre de film : un héros et son adversaire immenses, de beaux décors, une musique entrainante, une cause juste à défendre, et une grande bataille cinématographiquement superbe. Ce qu'il faut de tactique, ce qu'il faut de spectaculaire, ce qu'il faut de suspense. Mais des ennemis qui ont hélas tous la peau foncée et les cheveux crépus...

Il manque sans doute un peu de profondeur, des personnages un peu plus creusés, ce qui nous permettrait d'adhérer davantage aux quêtes du héros dont les motivations semblent bien légères. J'ai bon espoir que la seconde partie apporte cette dimension qui fait ici un peu défaut. Vivement 2016 !

The Lunchbox (Ritesh Batra)

The Lunchbox, c'est l'histoire de la relation épistolaire qui naît entre un employé de bureau acariâtre et vieillissant nommé Fernandes et la jeune mère de famille dont il reçoit les plats tous les midis, à la suite d'une erreur dans le système pourtant très performant des livreurs de gamelles de Bombay.

Ce n'est pas vraiment une histoire d'amour, plus l'histoire de deux individus mal à l'aise dans la société indienne actuelle, et surtout très seuls, qui trouvent un réconfort dans ces lettres.

Plus que les lettres elles-mêmes, assez fades, ce sont les changements que ces échanges provoquent chez Fernandes qui font l’intérêt du film. Je ne surprendrai personne en révélant qu'il s'humanise de plus en plus, mais son évolution est jouée avec beaucoup de finesse par Irrfan Khan, et s'exprime avec humour dans ses rapports avec le jeune collègue particulièrement agaçant qu'il doit former à lui succéder (Nawazuddin Siddiqi, qui est actuellement dans tout ce qui se fait de bien à Bombay).

Le vrai tour de force du film, c'est de donner un intérêt cinématographique à un échange de lettres, en s'appuyant sur ce système de livraison de repas qui s'ancre dans la réalité physique de Bombay, et en mettant joliment en scène chaque arrivée (et ouverture) de la gamelle, attendue avec impatience. La répétition de ces scènes souvent silencieuses, leur évolution progressive, rappelle le cinéma d'Elia Suleiman.

Le film est un peu moins réussi quand il s'intéresse à Ila (Nimrat Kaur, la révélation du film), l'épouse délaissée et malheureuse. Elle partage ses états d'âme avec une voisine toujours invisible, et cet artifice paraît un peu facile, surtout que ces échanges n'ont rien de très mémorables.

Globalement, c'est un film charmant et réussi, mais on peine à comprendre pourquoi  une bonne partie de la presse française y voit le film du renouveau du cinéma indien. Il n'est pas du tout aussi révolutionnaire que, pour prendre un autre film sorti récemment sur nos écrans, Gangs of Wasseypur, certes agrémenté de chansons et d'un abord moins facile mais beaucoup plus intéressant et radical.

Ne boudons cependant pas notre plaisir : c'est un bon film, très touchant, drôle aussi par moment, qui nous plonge dans le quotidien des habitants de Bombay tout en restant dans sa forme très accessible à un public occidental. Ajoutons à cela la présence d'Irrfan Khan, l'un des visages indiens les plus connus en Occident, et l'on comprend son joli succès (195 894 entrées cumulées au bout de trois semaines d'exploitation, c'est très honnête*).

* source : JP's Box-Office, classement France de la semaine du 25 au 31 Décembre 2013

Bilan 2012

Je ne vois jamais beaucoup de films indiens récents (j'ai bien souvent un ou deux ans de retard sur les sorties cinéma). La grande nouveauté cependant cette année, c'est que sur cinq films vus, quatre sont sortis en France au cinéma ! 2012 restera dans les annales comme l'année où les nouveautés indiennes ont commencé, modestement, certes, à être diffusées au cinéma, hors des quelques salles spécialisées dans les projections de films hindi ou tamouls.

Qu'ai-je donc vu parmi les films sortis en 2012 ? 

Agneepath, d'abord. Le seul que j'ai vu en DVD. Une des meilleures musiques de l'année, une belle photographie aux couleurs chaudes, et un film qui ne manque pas d'ampleur - sans doute un des meilleurs de cette mode du revival masala - mais plombé par un aspect grand-guignolesque assez déplaisant. La violence (il s'agit d'une histoire de vengeance) est filmée sans recul, et je garde aussi un fort mauvais souvenir de la vente comme prostituée de la jeune sœur du héros, là aussi filmée d'une façon pas très nette. Sanjay Dutt est parfaitement ridicule en sbire tout en muscles et en rictus de Rishi Kapoor. Ce dernier compense heureusement cette faiblesse en composant un méchant d'anthologie (et en ayant l'air de bien s'amuser à l'interpréter). Je suis assez curieuse de voir le Agneepath original.

 Billa 2, seul film tamoul que j'ai vu cette année, et malheureusement grosse déception. L'impression qu'il y a tromperie sur la marchandise. On nous vend le secret des origines de Billa, gangster mythique, et on a droit à une ascension sans surprise, rythmée par une succession très monotone d'exécutions de tous ceux qui s'opposent à lui, et filmée façon Scarface (de mémoire, il me semble qu'on a sur certaines scènes quasiment affaire à du plagiat). Une glorification constante d'un personnage de tueur sanguinaire. L'ennui s'installe vite, que le physique de  gravure de mode des deux adversaires de Billa ne parvient pas à dissiper.

Et, pour en finir avec les films de gangster, l'exact contraire de Billa 2 : Gangs of Wasseypur 1 & 2. Chakri Toleti plagie De Palma. Anurag Kashyap, lui, s'inspire, et brillamment, de Scorcese, Coppola et Tarantino (oui, les trois à la fois) pour créer une saga de cinq heures relatant le conflit qui oppose la famille de Shahid Khan au clan des Qureshi et au riche Ramadhir Singh. 

Cinq heures qui s'ouvrent sur l'assaut contre la maison de Faizal Khan, moment d'anthologie et meilleure scène d'action vue depuis longtemps dans un film indien. Cinq heures inventives de bout en bout, pleines d’énergie et filmées sans complaisance aucune pour ces gangsters vulgaires et souvent ridicules, incarnés par des acteurs pour la plupart peu connus, mais excellents. La musique, souvent décalée et ironique, contribue grandement à cette distance. Tout n'est pas parfait cependant : l'ensemble est trop dense, au point que certains épisodes, malgré la durée du film, doivent être narrés en voix off, et l'on sort épuisé par la succession de tant de rebondissements, impliquant tant de personnages. Mais franchement, vu les immenses qualités du film, c'est très secondaire.

Enfin, parce que le cinéma indien ce n'est quand même pas que des fusillades, des gangsters et des histoires de vengeances sanglantes, English Vinglish, un sympathique petit film marquant le grand retour de Sridevi en mère de famille qui décide d'apprendre l'anglais pour enfin n'être plus méprisée par ses enfants et son mari. La révélation du film, à mes yeux, c'est Mehdi Nebbou en amoureux éconduit de Sridevi.

English Vinglish (2012)

Shashi, mère de deux enfants et spécialiste du ladoo quitte sa famille quelques semaines pour participer aux préparatifs du mariage de sa nièce, à New York. Problème : Shashi ne parle pas anglais. Lassée d'être prise pour une idiote, elle s'inscrit à un cours de langue. Là, aux côtés d'autres étudiants venus des quatre coins du monde, elle va apprendre à s'exprimer en anglais. A s'exprimer tout court, aussi.

English Vinglish est un charmant petit film qui repose largement sur les épaules de son héroïne, une femme entre deux âges, interprété par la grande stars des années 80, Sridevi, de retour au cinéma après une longue absence.

Sous la forme d'une comédie pleine de tendresse, il aborde un certains nombres de thèmes rarement traités dans le cinéma indien : la question du rôle de l'anglais bien sûr, marqueur social, marqueur d'un certain niveau d'éducation. Impossible d'être pris au sérieux si l'on ne maîtrise pas cette langue, nous dit Gauri Shinde. Shashi est d'office disqualifiée pour toutes les discutions sérieuses, y compris au sein de sa famille où elle subit les moqueries de son mari et de sa fille. 

Impossible aussi d'être prise au sérieux, dit-elle, quand on est juste une femme au foyer occupée à cuisiner. Et de ce point de vue, le séjour américain de Shashi est une libération. Elle découvre que son petit commerce de ladoos fait d'elle une entrepreneuse. Et qu'au yeux de Laurent, son camarade de classe, qui lui fait une cour assidue, elle est plus qu'une bonne cuisinière : une artiste. Bref, elle est enfin respectée et estimée, et bien décidée à ne plus se considérer comme inférieure à son mari.

Laurent, le cuisinier français (joué par Mehdi Nebbou, la superstar du cinéma français), est le plus mémorable des élèves du cours d'anglais. Shashi et lui parlent mal anglais. Elle a tendance à passer au hindi sans prévenir. Lui répond en français. Il lui sert pourtant de confident (après une tirade enflammée - et en hindi - de Shashi bouleversée par le manque de respect de sa fille, il répond, en français "j'ai rien compris mais je suis désolé."). Et elle regagne confiance en elle à son contact. Les autres, un Pakistanais, une Chinoise, un autre Indien, une Mexicaine et un jeune homme africain, sont essentiellement des personnages comiques sans grande épaisseur. On est dans le stéréotype (le cinéma indien ne connaît pas le politiquement correct), mais sans méchanceté (le seul personnage un peu étroit d'esprit se fait régulièrement taper sur les doigts par les autres élèves). 

Et comme j'ai beaucoup aimé ce film, je vais éviter de parler de la musique, et de l'épouvantable chanson "Manhattan".

(vu au cinéma, dans une salle petite mais comble)